Rosalía transforma el Lux Tour en una obra conceptual que redefine los conciertos

La puesta en escena combina referencias históricas, recursos visuales y una narrativa que convierte cada acto en una experiencia única.

Publicado por: Redacción Vanguardia

Llamar simplemente “concierto” a la nueva propuesta de Rosalía sería caer —como ella misma dice— en una narrativa reduccionista. Quienes hemos seguido su trayectoria, desde la crudeza disruptiva de sus primeras etapas, pasando por el minimalismo del Motomami Tour en 2022 y su presentación en el Festival Estéreo Picnic en 2023, sabíamos que el listón estaba muy alto. Sin embargo, lo que la artista catalana despliega en el Lux Tour (2026) supera cualquier expectativa.

Su nueva gira es la apuesta más ambiciosa, arriesgada y monumental de su carrera: una obra conceptual dividida en cuatro movimientos que funciona como una galería de arte viva y, al mismo tiempo, como un ritual contemporáneo.

Bajo la dirección creativa de su hermana Pilar Vila, “La Pili”, con la dirección de arte de Israel Barranco y el vestuario de Stefano Gallici, Rosalía no presenta un espectáculo pensado únicamente para el entretenimiento. Construye una experiencia de introspección y sanación que logra sentirse íntima incluso dentro de una arena compartida por cientos de miles de personas. El despliegue técnico —doble escenario, bailarines, utilería conceptual y una imponente orquesta sinfónica que la acompaña durante la gira— justifica plenamente el valor de la entrada.

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Si el espectáculo se analiza desde una perspectiva espacial y simbólica, resulta evidente que rompe con las convenciones tradicionales del pop. El escenario no está diseñado únicamente para garantizar visibilidad; reproduce la lógica arquitectónica de una iglesia. En ese espacio circular y centralizado, el cuerpo de la artista ocupa el lugar del coro, históricamente reservado para quienes mediaban entre lo humano y lo divino.

Aquí, el humo deja de ser un simple efecto escénico para remitir al incensario eclesiástico o turíbulo, utilizado para purificar el espacio. Esa atmósfera alcanza su punto más alto cuando el botafumeiro desciende lentamente desde el techo mientras resuena la demoledora frase: “Aquí el mejor artista es Dios”, tomada de su tema CUUUUuuuuuute.

Es un eco del Renacimiento reinterpretado. Si durante el siglo XV el arte servía como vehículo de fe por encargo de la Iglesia, en 2026 Rosalía utiliza esos mismos códigos para emancipar su propia visión artística, su feminidad y su espiritualidad.

El espectáculo comienza desmontando la idea tradicional del entretenimiento. En lugar de un telón convencional aparece un lienzo invertido. Rosalía no hace una entrada triunfal; emerge contenida dentro de una estructura, como si fuera una reliquia sagrada o una obra protegida que es revelada lentamente ante el público. Es una imagen que remite directamente a la pintura clásica.

En este primer acto predomina la fragilidad, la pureza y una estética etérea. Vestida como una bailarina de puntas, la puesta en escena evoca los cuadros de Edgar Degas y la elegancia del Ballet de San Francisco en El lago de los cisnes.

El momento culminante llega cuando interpreta Mio Cristo Piange Diamanti en más de catorce idiomas. Cubierta por un velo, Rosalía se transforma en una virgen dolorosa que llora, evocando la estética de la Esperanza Macarena de Sevilla o la Virgen de los Dolores. Es uno de esos instantes en los que el pecho se aprieta y el espectador siente que presencia algo profundamente conmovedor.

La liturgia inmaculada se rompe de forma abrupta. Lo sagrado da paso a una explosión de deconstrucción urbana, reguetón y tecno industrial. El lienzo se abre para revelar la oscuridad de un rave berlinés durante la interpretación de Berghain.

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En este bloque aparece el universo pictórico de Francisco de Goya. Rosalía deja atrás la figura de la virgen para abrazar la iconografía del macho cabrío de El Aquelarre. La figura masculina surge como elemento destructor de la divinidad femenina, acompañada de referencias visuales a El retrato de la duquesa de Alba y La maja vestida.

Con un estilismo negro que deja entrever su ropa interior, la artista y sus bailarines convierten la arena en una auténtica catarsis de carne, pecado y sudor.

El blanco regresa al escenario junto con la necesidad de redención. En este tramo, Rosalía explora las complejidades de la fama y el peso de convertirse en un objeto permanente de contemplación.

Durante Can’t Take My Eyes Off You se funde visualmente con la Mona Lisa para hablar de lo que significa vivir bajo la mirada constante de los demás.

Más adelante, en La Perla, adopta un estilismo inspirado en Eva Green en The Dreamers, referencia que a su vez dialoga con la Venus de Milo. El resultado es un discurso visual sobre aquello que el tiempo o la historia terminan arrebatando.

El momento culminante llega con una reinterpretación contemporánea de Las Meninas, de Diego Velázquez. Con una peluca empolvada y un guardainfante del siglo XVII —prenda utilizada históricamente por las mujeres para ocultar embarazos— interpreta temas como Dios es un stalker, La rumba del perdón y una versión especialmente disruptiva de Saoko, adoptando la actitud de una María Antonieta moderna en busca de expiación.

El tramo final estalla en una celebración de mambo, dembow y pop, aunque siempre atravesada por una reflexión sobre la existencia.

La Victoria de Samotracia y la diosa Nike cobran vida cuando Rosalía aparece sobre el escenario con unas enormes alas que simbolizan el triunfo creativo.

Sin embargo, el desenlace evita el camino fácil del éxito absoluto. En uno de los momentos más brillantes del espectáculo, comienzan a flotar plumas mientras la artista recrea físicamente el mito de Dédalo e Ícaro. La caída deja de representar una tragedia para convertirse en la consecuencia inevitable de haber intentado alcanzar lo imposible.

El concierto concluye con la atmósfera fúnebre, limpia y cinematográfica de Magnolias. Envuelta en una capa de encaje, Rosalía canta cómo imagina el día de su propio funeral. El recorrido termina después de atravesar el cielo, el infierno, el pecado, la libertad y el amor propio.

Lux termina convirtiéndose en una tesis artística sobre la manera en que la espiritualidad, el deseo, el dolor y el arte atraviesan el cuerpo femenino a lo largo de la historia. Pese a la magnitud de la producción, Rosalía consigue exponer sus procesos más íntimos y transformarlos en símbolos universales que trascienden el tiempo y el espacio de la arena.

No le teme a la vulnerabilidad ni al silencio, dos recursos que parecen cada vez más escasos en las grandes giras contemporáneas.

Al final, lo que deja el Lux Tour de Rosalía no es únicamente la confirmación de una artista global en su mejor momento creativo. También recuerda el poder más primitivo del arte: reunir a miles de personas en un mismo lugar no solo para entretenerlas, sino para hacerlas reflexionar y compartir una experiencia profundamente emocional.

Quien llega esperando únicamente una sucesión de éxitos radiales descubre un ritual colectivo que invita a pensar sobre la fe, la identidad, el paso del tiempo y la propia existencia. Salir con la sensación de haber sanado algo por dentro termina siendo la prueba más contundente de que la propuesta de Rosalía trasciende la música para convertirse en una experiencia estética difícil de olvidar.